Dan Auerbach y Patrick Carney han descrito este álbum como su trabajo más natural y directo desde su debut en 2002 The Big Come Up. La grabación fue muy espontánea: se reunieron para improvisar y tocar en directo con apenas retoques, buscando capturar una energía cruda en un momento personal intenso para la banda.
La banda comenzó a trabajar en el disco después de que al padre del cantante y guitarrista Dan Auerbach le diagnosticaran cáncer de esófago y se quedara en casa de su hijo en Nashville mientras su salud se deterioraba rápidamente.
- Contenido: El disco incluye 10 canciones descritas como una colección visceral.
- Portada: Presenta una imagen del legendario fotógrafo William Eggleston, conocido por su trabajo icónico en Memphis.
- Sello: Será editado bajo el sello Easy Eye Sound (propiedad de Auerbach) y Warner Records.
Gran parte del disco trata sobre la capacidad de mantenerse en pie cuando las cosas se ponen difíciles. El título mismo y canciones como "You Got To Lose" reflejan una mentalidad de aceptación: la idea de que en la vida vas a perder batallas, pero lo importante es la actitud con la que te enfrentas a ello.
El trasfondo del disco es muy personal para Dan Auerbach. Durante la creación del álbum, Dan estaba pasando por un momento muy duro cuidando a su padre enfermo. Por eso, las letras y la música no buscan ser perfectas, sino servir de catarsis y consuelo. Es un disco que habla de la música como una medicina para el alma.
A nivel conceptual, el disco "habla" de la identidad de la banda. Después de años experimentando con sonidos pop o producciones complejas, aquí hablan de quiénes son ellos dos solos en una habitación. Las letras son directas, casi improvisadas, tratando temas universales como: La superación de obstáculos, la camaradería y la amistad (la conexión entre Dan y Patrick) y la sencillez de la vida cotidiana.
También se destaca el homenaje a sus raíces, al incluir versiones de blues y rock clásico, el disco también es una conversación con sus ídolos. Habla de la tradición del blues del Delta y del rock más primitivo, demostrando que esas historias de lucha y supervivencia siguen siendo vigentes hoy en día.
La crítica ha recibido Peaches! (2026) con una mezcla de entusiasmo por su honestidad emocional y respeto por su regreso a un sonido sin filtros, aunque no sin algunas opiniones divididas sobre su estilo de grabación
- El álbum ha debutado con una puntuación sólida de 81/100 en Metacritic, lo que indica una "aclamación universal" por parte de los medios principales.
- Se le califica como uno de sus mejores trabajos de la década, destacando que han cerrado el círculo volviendo al sonido de garage que los hizo famosos.
- Se resalta la "perseverancia de hermandad" que se escucha en el LP, describiéndolo como el sonido de dos amigos apoyándose en un momento difícil.
- Algún sector de la critica lo definen con falta de estructura, mencionan que, al ser tan improvisado, algunas canciones carecen de una estructura clara, sintiéndose más como "jams" que como canciones terminadas y opinan que el sonido es demasiado denso o "sucio", lo que hace que ciertos temas se vuelvan difíciles de distinguir entre sí.
El Peaches 'n Kream World Tour 2026 es la gira mundial de The Black Keys para presentar su decimocuarto álbum de estudio.
- La gira comenzó el 24 de abril de 2026 en Florida y recorre Norteamérica antes de saltar a Europa a finales de agosto, con paradas en ciudades como París (Rock en Seine), Londres, Ámsterdam, Múnich, Milán y Madrid 13 de septiembre (Movistar Arena) única fecha en España para cerrar su etapa europea
En resumen, es un disco que habla menos de "historias de amor" y mucho más de supervivencia, madurez y la alegría de tocar música simplemente para sentirse mejor.
Si vas a darle una oportunidad a Peaches!, estas son las canciones que más están destacando tanto en las listas de reproducción como en las reseñas de los expertos.
1. "You Got To Lose" (El himno de resistencia) Es el primer single y la columna vertebral del disco. Ya hablamos de el a principios de Febrero.
2. "Who's Been Foolin' You" (La más pegadiza) Es probablemente el tema más accesible. Aunque mantiene el sonido sucio, tiene un estribillo que se te queda grabado a la primera. Esta versión de Dr. Feelgood ha sido muy aplaudida porque recupera el sonido pub-rock británico de los 70.
3. "Where There's Smoke, There's Fire" Como apertura del disco, ha recibido grandes elogios por establecer el tono soul-blues pantanoso que recorre todo el LP. La crítica valora que no intentaron hacer una copia exacta de la original de Willie Griffin, sino que la hicieron sonar como un tema propio de la época de su disco Chulahoma (2006).
4. "Fireman Ring the Bell" Para los puristas del blues, esta es la "joya de la corona". Al versionar al legendario R.L. Burnside, la banda vuelve a sus raíces más profundas del Mississippi Hill Country Blues.
5. "Nobody But You Baby" Al ser el cierre del álbum y un tema largo (más de 7 minutos), ha sido destacada por ser una "jam session" pura. Los críticos la describen como el momento más auténtico del disco, donde se nota que simplemente son dos amigos tocando en una habitación sin preocuparse por el tiempo o la producción
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